Los stands como dispositivos narrativos. Capítulo 86.


Soy de las que piensan que todo lo que hacemos o decimos está impregnado de nuestra forma de ser, pensar o ver el mundo. Lo que pensamos, nuestra ideología o filosofía de vida, se refleja en cada decisión que tomamos y en cada camino que decimos seguir. Me resulta bastante ingenuo pensar que nuestro trabajo podría estar carente de ello. Más aún, quizá, cuando el trabajo al que decidimos dedicar nuestro tiempo requiere de grandes dosis de creatividad, de entrega, de conocimiento y estudio, en definitiva, de vocación. Creo que dedicarse al arte, en cualquiera de sus formas, es una cuestión que tiene mucho de vocación y de sacrificio en líneas generales. Muchos galeristas, como no, también reúnen estás características, y eso se deja notar en sus stands en ferias, en sus galerías físicas y en sus webs.

En mi opinión, cada decisión que un galerista toma, los artista que escoge, el tipo de exposiciones, el tipo de ferias y lo que decide llevar a cada una de ellas, responde muy directamente a su visión personal sobre el arte, no solamente como un producto que vender y con el que ganarse la vida, sino como forma de expresión, dispositivo comunicativo, creativo, vital. El trabajo del galerista acabará teniendo una repercusión directa en lo que en el momento y con el tiempo, se considerará arte con mayúsculas, y es por ello, que su trabajo es de mucha importancia para la cultura artística de cualquier lugar.

En este artículo he hecho un selección de galerías que, en mi opinión, muestran un proyecto expositivo atractivo, yendo más allá de colgar las obras que sabes que vas a vender para buscar fórmulas en las que, además de vender por supuesto, cuentes una historia, invites a la reflexión, propongas una temática o hilo conductor que te lleve a realizar un recorrido narrativo por el stand. Sin duda, conseguir una propuesta que tenga gancho y que sea coherente puede parecer más sencillo en los stands que han optado por traer a Estampa un único artista, que en el que caso de aquellas galerías que han querido traer una alternativa colectiva. Creo que esto es sólo una primera impresión, y que lo que prima es que el resultado sea estéticamente coherente, que establezca discursos, proponga preguntas. Basándome en ello, os sugiero este recorrido:

Galería Ángeles Baños:

El proyecto de esta galería de Badajoz se ha centrado en la obra de un único artista, Andrés Pachón (Madrid, 1985). Magic Lantern Vol. 2. es un conjunto de obras en el que se mezclan diferentes técnicas y soportes como las diapositivas, la instalación o la impresión digital. Con sus piezas, Andrés busca enlazar procesos de siglos pasados, como los usados en la linterna mágica a partir del siglo XVII, con procesos actuales como las diferentes técnicas de reproducción digital, para reflexionar sobre el uso cultural de la imagen, y como el imaginario colectivo, tanto ayer como hoy, se nutre de supuestas copias verídicas de la realidad, en las que si profundizamos un poco podemos comprobar, que muy al contrario, están completamente mediadas sea consciente o inconscientemente.

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Andrés Pachón

La Gran:

Pedro Gallego se ha decido por mostrar una selección de obras de diferentes épocas de una de sus artistas ya consagradas, Marina Núñez (Palencia, 1966). Las fotografías digitales y el vídeo que conforman la muestra nos hablan, como es habitual en Marina, del cuerpo humano en general, y en particular del femenino. Esas representaciones humanas tecnológicas, en el que cada persona representada parece inmersa en espacio apocalíptico, futurístico, tecnológico, nos llevan a reflexionar no sólo sobre el espacio que hoy tiene en nuestro día a día el uso de la tecnología, además, quiere que pensemos en la diversidad de cuerpos posibles, en naturalezas humanas diversas, en la otredad como la generalidad, la normalidad. Un enfrentamiento a la norma y los cánones que establece la diferencia y lo diverso como nueva regla.

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Marina Núñez

Isabel Hurley:

Isabel ha traído a Estampa a la fantástica representante de la vídeoguerrilla, feminista y gamberra a la que tanto admiro, María Cañas (Sevilla, 1972). Su vídeo instalación “Risas en la oscuridad”, usa el “metraje encontrado” para bombardear nuestras ideas más conservadoras sobre los mass media y el uso indiscriminado, político y mediado de las imágenes. Si pasamos dentro del stand encontramos las fotografías Antonio R. Montesinos. Antonio fotografía materiales y objetos que están en desuso, que perdieron su utilidad y el sentido para el que fueron fabricados y adquiridos, pero que recontextualizados, adquieren una nueva vida y un nuevo significado, y por ello, son capaces de crear conocimiento. El artista se sitúa como catalizador y distribuidor de estos nuevos significados y signicantes.

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María Cañas

Con esta propuesta Isabel nos está demostrando una apuesta decidida por el arte hecho en Andalucía. Unas obras arriesgadas, que habitan en los márgenes aún estando presentes en galerías o ferias, y que tanto María como Antonio representan a la perfección. El proyecto de Isabel nos habla de un arte activo social y políticamente.

La Twin Gallery:

Rocío y Cristina han optado por traer una muestra colectiva con tres artistas: Rosalía Banet (Madrid, 1972), Julio Galeote (Madrid, 1977) y Manuel Franquelo Giner (Madrid, 1990). El resultado es visualmente muy atractivo, ocupando cada artista una de las paredes del stand, y conjugando a la perfección estéticamente, ya que las obras en conjunto ofrecen un aspecto minimalista, casi monocromo, elegante y sugerente. En estas obras se incluyen un diverso tipo de técnicas como fotografía, dibujo o diseño y producción 3D y láser.

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Manuel Franquelo Giner

Son obras que cartografían imágenes, sentimientos y sensaciones. Que nos confunden, como las obras de Rosalía, en las que convierte los territorios en cuerpos y los cuerpos en abstracciones puras. Obras, como las de Julio, en las que lo teatral se hace lejano y palpable, donde podemos ver el escenario, la realidad como representación. Esculturas en cristal cortadas con láser a base de escaneos 3D de cráneos de animales o de lugares, con los que Manuel quiere despertar conciencias sobre temas ecologistas.

Saida Art Contemporain:

Esta galería nos presenta una exposición con dos artistas: Said Messri (Tetuán, Marruecos, 1956), en las paredes externas del stand, y Amine Asselman (Tetuán, Marruecos) en las internas.

Las obras de Amine mezclan la instalación, la escultura y la fotografía digital para “jugar” con la imagen de las concertinas, llegando incluso a perder la referencias de ella y a despojarlas de su significado. Amine trata el concepto de frontera, en concreto la frontera Marruecos-España. Dos países tan cercanos geográfica y culturalmente, que sin embargo, están separados por cientos de historias desgarradoras, de pobreza, esperanza, lucha e injusticia.

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Amine Asselman

Las piezas de Said son una serie de gofrados en papel que representan cabezas llenas de símbolos. Obras finísimas de gran belleza.

Espero que disfrutéis del recorrido. Además de estos proyectos concretos, no dejéis de pasar por las galerías y espacios Casa Velázquez, Juana de Aizpuru, etHall, F2 Galería, Galería Espacio Alexandra, Lab_in, Espai Tactel, Fernando Pradilla, entre otras.